Экспрессионизм (от лат. expressio - выражение), направление, развивавшееся в европейском искусстве и литературе примерно с 1905 по 1920-е гг. Возникло как отклик на острейший социальный кризис 1-й четверти 20 в. (включая 1-ю мировую войну и последовавшие революционные потрясения), стало выражением протеста против уродств современной буржуазной цивилизации. Социально-критический пафос отличает многие произведения

Экспрессионизм от искусства авангардистских течений, развивавшихся параллельно с ним или сразу после него (кубизма, сюрреализма). Протестуя против мировой войны и социальных контрастов, против засилья вещей и подавленности личности социальным механизмом, а иногда обращаясь и к теме революционного героизма, мастера Экспрессионизм совмещали протест с выражением мистического ужаса перед хаосом бытия. Кризис современной цивилизации представал в произведениях Экспрессионизм одним из звеньев апокалиптической катастрофы, надвигающейся на природу и человечество. Термин «Экспрессионизм» впервые употребил в печати в 1911 Х. Вальден - основатель экспрессионистского журнала «Штурм» («Der Sturm»).

В музыке Экспрессионизм сформировался в 1-м десятилетии 20 в.; ряд его элементов проявился в последних произведениях Г. Малера («Песнь о земле», 1908; 9-я, 1909 и неоконченной 10-я симфонии) и операх. Р. Штрауса («Саломея», 1905; «Электра», 1908). Однако В большей степени он связан с творчеством композиторов т. н. новой венской школы - А. Шёнберга (глава школы), А. Берга и А. Веберна. Шёнберг, начавший свой путь с произведений, близких позднему романтизму, пришёл к отрицанию романтических идеалов, сменившихся у него настроениями безотчётной тревоги, страха перед действительностью, пессимизмом и скепсисом. Представители контрастным состояниям (крайняя степень возбуждения или душевная прострация и безысходная угнетённость). Лишённая равновесия, обращенная по преимуществу к сфере подсознательного, таящегося в глубинах человеческой психики, экспрессионистская музыка чуждается определенных, ясно очерченных образов и законченных форм. Композиторы этого направления выработали круг особых средств музыкальной выразительности; они отказались от широкой напевной мелодики, ясных тональных устоев; принцип атональности способствовал выражению зыбких душевных состояний и необъяснимого смутного беспокойства. Многие произведения отличаются лаконизмом, давая лишь намёки на какой-либо образ или душевное переживание (в цикле Веберна «5 пьес для оркестра», 1910, некоторые части длятся менее 1 мин.), Необходимость единого конструктивно-организующего начала, отвечающего общим принципам мышления композиторов новой венской школы и новым типам образности, привела Шёнберга в начале 20-х гг. к выработке оригинальной системы композиции, получившей названиедодекафонии. Произведения, написанные в додекафонной технике, основаны на различного рода повторениях т. н. серии, что является, по мнению представителей этой школы, развитием принципов формообразования музыки барокко и раннего классицизма, Один из ранних типичных образцов Экспрессионизм - монодрама Шёнберга «Ожидание» (1909); в ней господствует состояние гнетущего тревожного предчувствия, разрешающегося взрывом отчаяния и ужаса. Мир таинственных и страшных «ночных настроений» воплощён композитором в мелодраме «Лунный Пьеро» (1912). В творчестве Шёнберга и др. представителей Экспрессионизм своеобразно преломлялись и социально-критические мотивы, особенно ярко выраженные у Берга. Его опера «Воццек» (1921), замысел которой созрел в годы 1-й мировой войны, проникнута глубоким состраданием к социально обездоленным, осуждением насилия и сытого самодовольства «власть имущих». Шёнберг создал произведения, обличающие ужасы нацистского террора («Ода Наполеону», 1942; «Уцелевший из Варшавы», 1947). Однако эти сочинения лишены активного утверждающего начала, ненависть и гнев сочетаются в них с пессимизмом и обречённостью, Произведения Шёнберга, написанные после 2-й мировой войны, были последними яркими проявлениями Экспрессионизм как направления, В творчестве ВебернаЭкспрессионизм перерождается в иную стилистическую формацию, где господствует абстрактно-рационалистическое конструктивное начало. Поэтому именно Веберн был признан родоначальником послевоенного музыкального авангардизма.

Конструктивизм в музыке.

Русский конструктивизм. Музыка 20х годов

Революция 1917 года произвела сильное впечатление на российскую художественную среду. Футуристы, бывшие до революции шумным, но довольно малочисленным крылом дооктябрьской отечественной культуры, после революции в 1920-е годы становятся особенно влиятельны в среде художественной молодежи. Индустриализация как главная хозяйственная задача страны вызывала желание отобразить ее в звуках, создать искусство, созвучное ее масштабу, заявить о высшей ценности новых, невиданных и сулящих большие перемены звуках. Так возник музыкальный «конструктивизм».

Подобное искусство привлекало внимание и в Европе. Из музыкальных сочинений, оставивших след в истории, упоминают в первую очередь балет Прокофьева «Стальной скок», оркестровые пьесы Онеггера «Рэгби» и «Пасифик 231». Судьба советских конструктивистов оказалась менее счастливой, практически все они испытали давление вначале со стороны общественных организаций (РАПМа) и официальных органов, критиковавших их за «левизну», и были вынуждены ограничивать свою художественную активность, менять ее направление.

Алексей Животов (1904, Казань — 1964, Ленинград) — советский композитор. Учился в Ленинградской консерватории у М. Чернова и В. Щербачева (1924-30). В 1926-30 преподавал музыкально-теоретические предметы и инструментовку. Как композитор дебютировал Сюитой для большого оркестра (1928) и Фрагментами для нонета (1929). Эти сочинения отмечены поиском нового музыкального языка и новых форм. Значительный успех имел его вокально-симфонический цикл Запад (1932). Знаток оркестра, его выразительных возможностей, Животов позднее большое внимание уделял вокальной лирике. Композитор принимал активное участие в музыкальной жизни Ленинграда (в 1961-64 председатель Ленинградского отделения Музфонда).

Половинкин, Леонид Алексеевич (13.8.1894, Курган, — 8.2.1949, Москва). Русский советский композитор. Учился в Московской консерватории у Василенко, Катуара, Мясковского (1914—24). В 1920-х входил в Ассоциацию современной музыки и был одним из лидеров раннего советского «урбанистического» модернизма; характерны его фортепианные «Происшествия» (7 пьес, 1920—25) и фокстрот «Электрификат» (1925), оркестровые «Телескопы» (4 пьесы, 1926—30). Позднее освоил более простой стиль (9 симфоний, 1930—44). С 1926 заведовал музыкальной частью Московского театра для детей; сочинил музыку к ряду детских спектаклей и фильмов.

Дешевов, Владимир Михайлович (1889, Санкт-Петербург — 1955, Ленинград). Русский советский композитор. В 1908-14 учился в Санкт-Петербургской консерватории у Лядова, Штейнберга и др. Автор одного из первых советских балетов «Красный вихрь» (1924), а также оперы «Лед и сталь» на сюжет о событиях Кронштадтского восстания (1930). В музыкальном языке оперы проявилось влияние урбанизма Э. Кшенека, С. Прокофьева, композиторов французской Шестерки. В 1926 написал фортепианную пьесу «Рельсы» — одно из первых в советской музыке воплощений индустриальной, «машинной» романтики. Впоследствии работал главным образом в области прикладной музыки.

Мосолов, Александр Васильевич (1900, Киев — 1973, Москва), советский композитор. В 1922-25 учился в Московской консерватории у Р. Глиэра и Н. Мясковского. В 1920-х состоял в Ассоциации современной музыки и снискал репутацию одного из самых радикальных представителей авангардного направления в советской музыке.

Международную известность композитору принесла пьеса Завод (фрагмент незавершенного балета Сталь, 1927), в которой средствами большого оркестра имитируется одновременная слаженная работа множества машин. После 1930, когда ведущие позиции в музыкальной жизни СССР заняла Всесоюзная ассоциация пролетарских музыкантов, музыка Мосолова перестала исполняться, а сам он стал жертвой беспощадной критической кампании. Чтобы обезопасить себя, Мосолов выезжал в фольклорные экспедиции в разные регионы СССР и писал музыку, следуя эстетическим установкам, стандартным для советской музыки сталинского времени. В 1937-38 несколько месяцев провел в тюрьме по обвинению в антисоветской агитации. Впоследствии занимался обработкой народных песен для Северного русского хора (Архангельск).

Импрессионизм.

Музыкальный импрессионизм (фр. impressi

onnisme, от фр. impression — впечатление) — музыкальное направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX века — начале XX века, прежде всего в творчестве Эрика Сати, Клода Дебюсси и Мориса Равеля.

Точкой отсчёта «имп

рессионизма» в музыке можно считать 1886-1887 год, когда в Париже были опублик

ованы первые импрессионистичес

кие опусы Эрика Сати («Сильвия», «Ангелы» и «Три сарабанды») — и как следствие, пять лет спустя, получившие резонанс в профессиональной среде первые произведения Клода Дебюсси в новом стиле (прежде всего, «Послеполуденный отдых фавна»).

Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека.

Связь импрессионизма в музыке и в живописи значительна – первый возник на основе своего предшественника. И общие у них не только корни, но и причинно-следственные отношения. Клод Дебюсси, Эрик Сати и Морис Равель искали и находили аналогии и выразительные средства в творчестве Моне, Сезанна, Шаванна и Тулуз-Лотрека. Конечно, средства живописи, основанные на визуальном восприятии, и базирующееся на слухе

музыкальное искусство в большей степени связываются исключительно благодаря ассоциативным параллелям, возникающим у каждого индивидуально.

Так как импрессионизм во многом воспринимался как очень личностное творчество, для музыкального его проявления характерны камерные произведения, а не монументальные опусы. Различные ноктюрны или этюды-зарисовки для одного инструмента намного более характерны для этого периода, чем оркестровые произведения. В области симфонической и фортепианной музыки наиболее популярными музыкальными жанрами стали программные миниатюры и сюитные циклы. При этом инструментовка характеризуется уменьшением размеров классического оркестра и более тщательным разделением его на группы с однородными партиями не

только солирующих, но и заполняющих инструментов.

На протяжении всей истории искусство и музыка развились друг параллельно с другом. Импрессионистское движение не исключение. Импрессионизм в искусстве начался во Франции около конца 19-ого столетия. Импрессионистские живописцы не стремились показать действительность в классическом смысле прекрасного изображения; вместо этого, они подчеркивали свет и цвет, чтобы произвести полное "впечатление" их предметов.

Точно таким же образом импрессионизм в музыке стремится создавать описательные впечатления, не обязательно рисовать яркие картины. Музыка не создается, чтобы явно описать что-либо, а скорее создать настроение или атмосферу. Это сделано через почти каждый аспект музыки: мелодия, гармония, цвет, ритм, и форма. Мелодии имеют тенденцию быть короткими в природе, а наоборот часто повторяемыми в различных контекстах, чтобы дать различные нюансы. Использование (или неправильное употребление, как некоторые критики могли бы сказать) гармонии было главной частью импрессионизма. Импрессионисты не использовали аккорды традиционным способом.

Для почти всей истории Западной музыки аккорды использовались, чтобы построить и уменьшить напряженность, таким образом давая музыке умение ориентироваться. Хорошим примером, чтобы использовать это является известная Соната Моцарта в A, K 331. Вы можете отчетливо слышать гармонии, постоянно приводящие музыку вперед, пока это наконец не достигает резолюции в заключительной ноте.

Музыка эпохи романтизма.

Романтизм — идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII — 1-й половины XIX в.

В музыке романтизм сформировался в 1820-х гг. и сохранял свое значение вплоть до начала XXв. Ведущим принципом романтизма становится резкое противопоставление обыденности и мечты, повседневного существования и высшего идеального мира, создаваемого творческим воображением художника.

Он отразил разочарование самых широких кругов в итогах Великой французской революции 1789—1794 гг., в идеологии Просвещения и буржуазном прогрессе. Поэтому ему свойственны критическая направленность, отрицание обывательского прозябания в обществе, где люди озабочены лишь погоней за наживой. Отвергаемому миру, где все, вплоть до человеческих отношений, подчинено закону купли-продажи, романтики противопоставили иную правду — правду чувств, свободного волеизъявления творческой личности. Отсюда проистекает их пристальное внимание к внутреннему миру человека, тонкий анализ его сложных душевных движений. Романтизм внес решающий вклад в утверждение искусства как лирического самовыражения художника.

Первоначально романтизм выступил как принципиальный

противник классицизма. Античному идеалу было противопоставлено искусство средних веков, далеких экзотических стран. Романтизм открыл сокровища народного творчества — песен, сказаний, легенд. Однако противоположность романтизма классицизму все же относительна, так как романтики восприняли и развили дальше достижения классиков. На многих композиторов большое влияние оказало творчество последнего венского классика —

Л. Бетховена.

Принципы романтизма утверждали выдающиеся композиторы разных стран. Это К. М. Вебер, , Г. Берлиоз, Ф. Мендельсон, Р. Шуман, Ф. Шопен,Ф. Шуберт Ф. Лист, Р. Вагнер. Дж. Верди.

Все эти композиторы восприняли симфонический метод развития музыки, основанный на последовательном преобразовании музыкальной мысли, порождающей внутри себя свою противоположность. Но романтики стремились к большей конкретности музыкальных идей, более тесной их связи с образами литературы, других видов искусства. Это привело их к созданию программных произведений.

Но главное завоевание романтической музыки проявилось в чутком, тонком и глубоком выражении внутреннего мира человека, диалектики его душевных переживаний. В отличие от классиков романтики не столько утверждали конечную цель человеческих стремлений, обретаемую в упорной борьбе, сколько развертывали бесконечное движение к цели, которая постоянно отодвигалась, ускользала. Поэтому так велика в произведениях романтиков роль переходов, плавных смен настроений.

Для музыканта-романтика процесс важнее результата, существеннее достижения. Они, с одной стороны, тяготеют к миниатюре, часто включаемой ими в цикл других, как правило, разнохарактерных пьес; с другой — утверждают свободные композиции, в духе романтических поэм. Именно романтики разработали новый жанр — симфоническую поэму. Чрезвычайно велик вклад композиторов-романтиков и в развитие симфонии, оперы, а также балета.

Среди композиторов 2-й половины XIX — начала XX в.,: в чьем творчестве романтические традиции способствовали утверждению гуманистических идей, — И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, Р. Штраус, Э. Григ, Б. Сметана, А. Дворжак и другие.

В России отдали дань романтизму едва ли не все великие мастера русской классической музыки. Велика роль романтического мироощущения в произведениях основоположника русской музыкальной классики М. И. Глинки, особенно в его опере «Руслан и Людмила».

В творчестве его великих продолжателей при общей реалистической направленности роль романтических мотивов была значительна. Они сказались в ряде сказочно-фантастических оперН. А. Римского-Корсакова, в симфонических поэмах П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки».

Романтическое начало пронизывает сочинения А. Н. Скрябина и С. В. Рахманинова.

Музыка эпохи Классицизма.

Классицизм - стиль и направление в искусстве XVII - начала XIX вв. Слово это произошло от латинского classicus - образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.
К этому времени относятся становление и утверждение национальной школы - в Австрии. Новая школа получила название "венской классической". Величайшими представителями этой школы стали Гайдн, Моцарт и Бетховен. Их творчество явилось высшей стадией развития классицизма. Главным их завоеванием стали также жанры, как сонаты и симфонии.
Любой грамотный человек должен понимать различие между двумя понятиями: классика и классицизм. Под классикой мы подразумеваем образцовые, совершённые произведения искусства. Музыкальной классикой являются сочинения великих композиторов.

В отличии от искусства прошлого, для которого судьба Иисуса всегда была путеводной нитью, искусство нового века посвятило себя жизни обыкновенного человека - его повседневному труду, его удачам и надеждам. Герой - современник стал интересен поэтам, художникам, музыкантам не только когда он молился, предавался глубоким размышлениям или совершал великие подвиги, но и тогда, когда он балагурил с друзьями, пытался разбогатеть или ухаживал за девушками. Трагическое и комическое, легкомысленное и серьёзное в искусстве нового века было идеально уравновешено.
Новый век выдвинул новый идеал - им стал Фигаро, "севильский цирюльник". Этот парикмахер, хитрец и пройдоха, всегда знал, как одурачить господина и добиться своего, и не позволял никому, даже вельможному графу, унижать своё достоинство. Но не только деятель и практик Фигаро занимает мыслящую публику 18 века; на роль идеала претендует и доктор Фауст- учёный, философ, который в поисках истины продал душу дьяволу - Мефистофелю. Фауст понял, что нет ничего прекраснее, чем труд, результаты которого останутся будущим поколениям, и нет такой жертвы, которую нельзя было бы принести ради общего блага. "Лишь тот достоин жизни и свободы, кто каждый день идёт за них на бой!" - эти слова Фауста повторили бы многие его современники.
Фауст и Фигаро прекрасно соответствовали времени, поскольку в этих персонажах люди видели символ неразрывности мысли и действия: чтобы добиться успеха, оба они старались понять, зачем действовать, какие цели ставить перед собой, и, наконец, составив продуманный план, приступали к исполнению. Людям эпохи классицизма хотелось узнать, по каким законам живёт природа, общество, каждый человек, и, вооружившись знанием, сделать жизнь достойной и счастливой. Благодаря беспредельной вере в возможности человеческого разума и силу знания 18 век стали называть веком Разума или веком Просвещения.
Человек 18 века считал, что разум, на который он привык полагаться, надёжнее веры, которой руководствовались в своей жизни его отцы, деды, прадеды. Поэтому герой века Просвещения не слишком доверял прошлому. Он не любил оглядываться назад и во всём, в том числе и в искусстве, предпочитал новое 6 то, что создано сегодня, казалось ему более совершённым, чем рождённое вчера.
Молодому поколению творчество Баха и Генделя казалось тяжеловесным и преувеличенно серьёзным. Начиная с 30-х годов нового столетия творческая практика уходила всё дальше от барочного стиля, чей расцвет остался в 17 веке.
Всякий оптимист и деятель стремится к тому, что приумножает радость и влечёт к активности - отсюда и музыка 18 века откровенно тяготеет к быстрым темпам, их итальянские обозначения allegro(весело) и vivace (живо) - очень точно выражают господствующий ритм эпохи, её неуклонное движение вперёд. Как и сам человек 18 века, музыка классицизма явно предпочитает радоваться и веселиться, а не грустить и предаваться меланхолии. Поэтому мажорные произведения появляются гораздо чаще минорных.
Идеалы красоты тоже должны были подчиняться законам разума. "Красота - это со размеренность",- говорили древние греки, и под этим изречением подписался бы всякий художник 18 века. И если искусство Древнеё Греции зените славы Афин в 5 веке до нашей эры называли классическим, то по аналогии, по сходству идеалов и убеждений классическим называли и 18 век, а культуру 18 века - культурой классицизма.
Человек 18 века не любил проникать в детали, находить индивидуальное и неповторимое в каждом предмете и природном создании.
Разум царит и в искусстве. Желая подчеркнуть высокое назначение искусства, его общественную и гражданскую роль, французский философ-просветитель Дени Дидро писал: "Каждое произведение ваяния или живописи должно выражать собой какое-либо великое правило жизни, должно поучать".
Театр одновременно был учебником жизни, и самой жизнью. Кроме того, в театре действие в высшей степени упорядочено, размеренно; оно разделено на акты и сцены, те, в свою очередь, расчленена на отдельные реплики персонажей, создавая столь дорогой 18 веку идеал искусства, где всё находится на своём месте и подчинено логическим законам.
Музыка классицизма чрезвычайно театральна, она как будто копирует искусство театра, подражает ему. Мелодии композиторов 18 века даже в музыке, предназначенной для инструментов, напоминают человеческую роль, интонации и жесты актёров, играющих различные роли. Иногда эти мелодии похожи на оперные арии, которые исполняют на сцене актёры-певцы. Разделение классической сонаты и симфонии на крупные разделы - части, в каждой из которых происходит много Музыкальных "событий", подобно делению спектакля на действия и сцены. В музыке классического века часто подразумевается сюжет, некое действие, которое развёртывается перед слушателями так же, как действие театральное развёртывается перед зрителями. Слушателю только остаётся включить воображение и узнать в "музыкальной одежде" персонажей классической комедии или трагедии.
Искусство театра помогает объяснить и большие перемены в исполнении музыки, которые совершились в 18 веке. Раньше, столетие назад, главным местом, где звучала музыка, был храм: в нём человек находился внизу, в огромном пространстве, где музыка как будто помогала ему взглянуть ввысь и посвятить свои мысли Богу. Теперь, в 18 веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади: отныне музыканты располагаются непосредственно или несколько в отдалении, как актёры на сцене. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой "на ты2" и не испытывает больше восторг и робость, которые она ему внушала, когда она звучала в храме.
В музыке 18 века уже нет мощного, торжественного звука органа, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко, в ней гораздо меньше звуков, как будто она "меньше весит", чем грузная, многослойная музыка прошлого. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке лёгкой, ритмичной и танцевальной.